Fate's Blog

Qu'est-ce qu'un jeu-vidéo ? Une question pas dont la réponse n'est pas si facile de prime abord. Pourtant, une réponse paraît dorénavant évidente : Braid. Rien n'est plus jeu-vidéo que la création de Jonathan Blow. Il définit au mieux les caractéristiques de notre médium et en donne toute la saveur. Tout ceci grâce à la convergence de multiples mécanismes qui, à la fin, montre tout leur potentiel.

Au début, rien ne laisse présager qu'il donnerait une telle claque à toute l'industrie. Simple jeu d'énigme plate-forme, où l'on dirige un avatar, nommé Tim. Il traverse cinq mondes découpés en niveau. Chacun se réussit avec la résolution d'une énigme qui se récompense par l'obtention d'un puzzle pour compléter le tableau du monde. Pour ce faire, Tim dispose d'un pouvoir qui lui permet de retourner en arrière, comme un magnétoscope. Ici, le tour de force de Jonathan Blow est de fournir une aventure jamais répétitive – il y a plus de quinze niveaux. Malgré des airs de déjà-vu de certains, leur résolution ne se ressemble pas. L'intérêt se renouvelle sans cesse à travers les cinq mondes, grâce, aussi, aux nouvelles capacités que Tim acquerra dans les derniers mondes – ralentissement, un double – et aux nouveautés de game design - ennemis insensible au temps. Braid, ceci dit, ne se contente pas d'offrir seulement un challenge intellectuel, il met à l'épreuve notre dextérité à plusieurs reprises. Après tout, comment ne le pourrait-il pas, quand Jonathan lance des clins d'œil à l'univers de Mario ?

Tim veut sauver sa princesse, comme le plombier de Nintendo. A première vue, Braid semble être une ré-interprétation singulière de Super Mario Bros, il en utilise certaines ficelles : les fleurs, les Gombas, les tuyaux vert et le drapeau qui flotte à la conclusion du monde. Manette en main, l'imitation cesse dès les premiers instants. Braid va plus loin que ses références, qu'une majorité de titres de l'industrie. La maturité de l'intrigue dépasse de loin celle des jeux de plate-forme. Il démontre qu'il est possible d'avoir une histoire intéressante dans un genre où elle sert souvent de prétexte – Mario, Jak And Dexter, Goemon. Il traite de l'amour dans le couple, bien loin des poncifs du jeu-vidéo. Pas d'histoire à l'eau de rose, où les attitudes et les histoires restent coincées à l'âge de l'adolescente. Il préfère interroger le joueur sur une question actuelle, qui nous préoccupe tous – la notion d'erreur . Braid dépeint une histoire triste qui se moque bien des happy-end mielleux et, surprend, car impossible à deviner.

Sans rentrer trop dans les détails, ce jeu indépendant mérite de rentrer dans l'histoire du jeu-vidéo. Peu de jeux peuvent se targuer de réussir aussi bien la convergence et la cohérence de leur univers. Son histoire, son univers et son gameplay se lient et s'unissent pour rendre le final si génial et si tragique à la fois. C'est ce lien fort qui explose à la face du joueur et le sonne un moment. Dès lors, vous commencez à comprendre toutes les imbrications et tout s'éclaircit pour donner un nouveau sens à ce gigantesque puzzle convergent, avec aucun autre mot qu'une bouche grande ouverte remplie de silence.

Fate

Un bloc, blanc et jaune, vient d'entrer en contact avec le sol. Un nouveau le suit. Plus teinté de jaune. Il semblerait que le processus ne s'arrête jamais, comme une usine qui tournerait à plein régime. Les blocs tombent, tombent, tombent puis disparaissent. Si deux surfaces, voire plus, d'un bloc en touchent un autre de même couleur, ils s'évaporent dans la nature. Et la musique évolue. En effet, elle se découpe en plusieurs parties que le trait vertical représente. Il passe régulièrement sur tout le plan 2D, comme un garde qui ferait sa ronde pour protéger un trésor, annihilant les blocs formant un carré de même couleur. Une fois la chanson terminée, le skin et la couleur des blocs changent ainsi que la musique. A chaque niveau passé, la vitesse des carrés s'accélère pour devenir difficilement gérable à l'instar de Tetris. Le stress monte, le temps de réflexion diminue. Agir péremptoirement reste les mots maîtres.

Tout le contraire du début. Où Lumines, c'est comme une sortie à la plage. Il suffit de s'asseoir sur sa chaise, de s'emparer de sa manette puis de jouer. Très simple. La délicate musique attendrira vos oreilles, les couleurs et l'habillage harmonieux flatteront vos yeux. Votre cerveau mettra de coté tous vos problèmes personnels. Off. Il se concentra sur le jeu. Rien que le jeu. Parce que Lumines, ça apaise. Fort heureusement, ceux qui ne veulent pas qu'un jeu détente peuvent le terminer, tenter de battre des records ou exécuter les défis proposés. Il y en aura autant pour les joueurs forcenés que ceux du dimanche. Fédérant ainsi n'importe qui d'une manière fort lumineuse.

Faut-il supprimer les tests ? La problématique a émergé à cause de l'article d'Overgame sur Flow. Le petit, d'après les extraits publiés, provoque la polémique. En effet, les testeurs se trouvent confronter à un dilemme lors de tests de ce type de jeu. << Pourquoi ? >> me direz-vous. Car ces Electroplankton, Rez ou Flow brisent des règles établies par leurs congénères traditionnels - grosso modo tout jeu a un objectif que le gameplay permet de remplir. Selon l'un des membres de Tale of Tales, ils s'intéressent plus à << l'analyse mécanique et la performance que par la retranscription d'expériences et de sensations >>. Au point de penser que les journalistes de la presse généraliste comprendront mieux ces jeux non conventionnels.

Qu'il ait raison ou non sur la vision des journalistes spécialisés importe peu. Il a tort de vouloir que seule la presse généraliste s'en charge. La presse de jeu-vidéo peut s'en occuper quand les rédacteurs s'apercevront de l'obsolescence des tests. Ils énumèrent toutes les qualités et défauts exhaustivement en analysant les mécanismes du jeu. Comment, dans ce cas, saisir l'essence de Rez, par exemple ? Le texte passera à coté de l'expérience voulue et ne verra en grande partie qu'un jeu de tir court et moche. Les critères (graphisme, durée de vie, scénario) ne sont pas du tout adaptés. Quel est donc l'intérêt des tests ? Une critique (1) sera plus apte à expliquer sa nature - d'ailleurs les journalistes encensant Rez travaillent pour la plupart dans des magazines généralistes. Ces griefs ne s'appliquent pas seulement à ces jeux. Même ceux plus traditionnels souffrent de ces tests qui évoquent tout sauf son essence, un comble - à comparer avec ceci. D'où l'importance d'abolir définitivement les tests du paysage vidéoludique.

Mais difficile dans un contexte où un jeu vaut 60 €. Personne ne lie prix et mentalité. Pourtant ces facteurs indissociables donnent de la légitimité aux tests. L'expérience procurée demeure un facteur majeur mais le gamer apprécie la rentabilité de son achat, c'est pourquoi il accorde un certain crédit à ces critères faussement objectifs. Et les magazines remplissent parfaitement la donnée : guide d'achats que le lecteur cautionne. Néanmoins comment ne pas être réticent à l'achat d'un jeu à la durée de vie inférieure à dix heures à 60 € ? Il faudrait donc que ce loisir coute moins cher.. Pour cela, il doit devenir un produit culturel au lieu d'un produit de consommation. La TVA passerait donc de 19,6% à 5,5%, permettant d'accepter cette nouvelle façon de regarder le jeu-vidéo. Normal, ce sera alors un art (2)...

(1) Cela ne l'empêchera pas de fournir des informations objectives comme dans les tests.

(2) Que vous le vouliez ou non, le jeu-vidéo sera un art dans environ une dizaine d'années. Il va falloir vous y faire.

Pour beaucoup de joueurs, tirer des conclusions sur l'utilité de la Wiimote à l'heure actuelle est une hérésie. Mieux vaut attendre un peu pour que son créateur, voire les éditeurs tiers, se familiarisent avec cette télécommande. Ce qui permettrait, pour le coup, de constater toute l'étendue des possibilités que Nintendo avait, selon les joueurs, promise à l’occasion de l’E3 2005. Précision ô combien importante, parce que la firme de Kyoto voyait tout ceci sous un angle bien différent en créant cette manette.

La régression d'idées

La Wiimote est une régression vidéoludique. L'affirmation est lancée, et totalement assumée. La conception d'une console autour d'un périphérique qui capte les mouvements laisse songeur. Interagir physiquement avec des éléments du décor défie toutes les lois de l'imagination. À vrai dire, cela ressemble à un gigantesque pas vers une immersion plus profonde. Imaginez-vous, en train de combattre devant votre télé pendant que le héros reproduit exactement vos mouvements. Imaginez-vous, arpenter les couloirs lugubres d'un manoir avec votre torche à la main. Imaginez-vous, en fin de compte, dans la peau de votre personnage. Immersion garantie, en théorie. En pratique, tout change. En effet, le problème majeur de la Wii est qu’elle soit née autour de la Wiimote. Celle-ci oblige les développeurs à réfléchir autrement à leur création, ce qui a tendance à les brider. Tous les jeux, en fin de compte, sont victimes de cette caractéristique unique et immuable, contraignant les créateurs à penser de façon opposée à ce dont ils avaient l'habitude. Ils réfléchissent d'abord à la façon d’utiliser la manette, au lieu de se concentrer plus largement sur le gameplay. Il suffit de se figurer une PS3 / Xbox 360 où le périphérique principal serait un Eye Toy ou une guitare. Vos idées fondent comme un glaçon sous un soleil aride. C'est normal.

Tout se passe sur l'écran d'abord

« Cela s'applique également à la manette », argueront les joueurs. Et ils auront tort. Même aux balbutiements de l’ère vidéoludique, rien ne se régentait ainsi. Aucun développeur ne pense d'abord à cette dernière avant de se lancer à corps perdu dans la création d'un gameplay. Et l'histoire donne raison à cette théorie. Les périphériques (volant, pistolet, joystick) sont issus des jeux, et la manette a réussi l'exploit d'être la plus adaptable à une multitude de genres, d'idées, d'innovations. La plupart des oeuvres novatrices, d'ailleurs, naissent grâce à leur concept même, et non par des gadgets. Il m’est possible de citer Zelda, Fallout, Half-Life, Resident Evil 4 ou MGS. Cette position donne du sens, le 19 avril 2006, aux dires de Keita Takahashi, créateur de Katamari Damacy, qui « ne pense pas qu'une manette puisse avoir beaucoup d'influence sur le plaisir de jeu.» Le monsieur savait d'avance à quoi s'attendre avec la prégnance de Nintendo de se focaliser sur des accessoires.

Nintendo DS = Wii

La portable de Nintendo illustre à merveille la limitation conceptuelle qu'engendre un hardware conçu autour de son périphérique. Disponible depuis trois ans, se vendant à un rythme effréné, accueillant pléthore de jeux, cela ne change rien à sa situation. Ceux qui utilisent ses spécificités se comptent sur les doigts d'une main : Meteos, Another Code, Tetris, Zelda PH et cie. C'est peu. Trop peu. Parfois, le gameplay se trouve amélioré, voire transcendé, dans des titres tels que Oendan ou Phoenix Wright. Par contre, afficher une carte, naviguer plus facilement dans les menus, sont des constantes d’utilisation de l’écran tactile chez les développeurs. Dans ce cas, difficile de croire en de belles preuves d'innovation sur Wii. Elle souffrira du même problème que la portable de la firme de Kyoto. Après tout, quels sont les meilleurs jeux sur la petite dernière de Nintendo ? Ceux qui ne se servent (presque) pas de ses fonctionnalités : Mario Galaxy, Super Paper Mario, Zelda, Super Smash Bros Melee. "Quid de Zack &amp; Wiki, Resident Evil 4 et Metroid Corruption ?" me rétorquerez-vous. Inutile de les lister. L'usage de la Wiimote relève de la logique implacable pour eux. C'est le plus simple et le plus facile à concevoir. Dès que la réflexion s'élève à un plus haut niveau qu'une utilisation évidente un blocage se produit. Seul, actuellement, No more Heroes laisse entrevoir un compromis entre une utilisation intelligente de la Wiimote et une oeuvre de qualité.

Are you Ready for the Great Reset ? © Hitonari

Nintendo sauvera le jeu vidéo de la banqueroute. Du moins, c'est ce qu'il ressort des discours datant d’avant la sortie de la Wii. Un sauvetage en revenant à la genèse des jeux vidéo, en niant plus de 20 ans d'évolution pour retourner à un état primaire. Parce que les jeux vidéo deviennent compliqués, parce que les jeux vidéo deviennent difficiles (« Iwata a indiqué que la nouvelle console est destinée aux consommateurs qui détestent le fatras et trouvent les jeux actuels et les manettes utilisées pour y jouer compliquées.»). Baliverne. Tout d'abord, parce qu'au fil des années, la difficulté a changé de forme. Avant, alors qu'une mort équivalait à une sanction énervante / grisante, maintenant, grâce aux checkpoint et autres sauvegardes rapides, la mort n'a plus la même valeur. Peu importe que le héros décède sous le prochain coup, il réapparaîtra aussitôt dans la pièce précédente. Ce qui a eu comme conséquence de démystifier la mort en grande partie. Quant à la complication des jeux, elle est vraie, utile et nécessaire. Même si Nintendo affirme le contraire pour convaincre les non joueurs - différents des casuals - de s'y intéresser. D'après les discours de la firme japonaise, il faut simplifier les mécanismes de gameplay, qui, eux, ont permis le lock, les choix narratifs (Fahrenheit), la rupture entre le joueur et le jeu (MGS). Et c'est cette volonté de gravir sans cesse des échelons qui a créée ces trouvailles.

De fait, le retour à un aspect primitif oblige Nintendo à sortir de nouveaux accessoires (Wii Fit, Wii Zapper) pour palier la limitation de cette télécommande (un aveu de faiblesse ?). Un pèse-personne avec des jeux conceptuels amusants, sans plus. Et, ultérieurement, devant le manque d'idées ludiques, il finira au fond d'un placard. Ensuite, Nintendo inventera, quelques mois plus tard, un autre gadget pour renouveler l'intérêt de ce public volatile. Ainsi, la firme asiatique les séduira derechef grâce à des mécanismes primaires jusqu'à la lassitude. Néanmoins, il ne s'agit que d'une projection lointaine. Car la Wii explose pour le moment les records de ventes dans le monde, gagnant sûrement la guerre des consoles pour cette génération. Avec une philosophie erronée donnant naissance à la Wii, où l'effort moindre est une vertu, on se met à craindre le fer de lance des prochaines consoles. Serait-ce le great reset ?

Injustement boudé, critiqué violemment, God Hand est un incompris. Comme ces types qui osent émettre un avis allant à l'encontre de l'opinion générale. Voilà. C'est un beat'em all subversif - adjectif osé et très fort. Un peu trop, peut-être. Après tout, comment respecter un jeu nous adressant un bras d'honneur éhonté? C’est un peu ça, le grand problème des testeurs. Apprécier une oeuvre irrespectueuse, mais au fond étonnement sympathique et provocatrice. Jugez, plutôt.

C'est l'histoire d'un mec, nommé Gene, sympa, et pas trop bête. Pas pétochard du tout, en plus. Errant dans les allées de la ville, il croise une fille. La belle est en danger, sous la menace de trois individus, répugnants, ridicules. Il s'empresse de courir à son secours, tout prétentieux et téméraire qu'il est, pour en définitive se rendre compte qu'il n'est pas de taille. Preuve infaillible : plus de bras droit. Consolation : Olivia, la jeune femme. Puisqu'elle lui fournira un nouveau bras très spécial, qui appartient au démon Angra que d’aucuns tentent de ressusciter. Et c'est parti pour une grande aventure. Une aventure où le but sera de fracasser le plus de têtes dans cette ambiance western. Comme le Bon, la Brute et le Truand, excepté que vous êtes seul contre tous. En effet, God Hand privilégie le one-to-one dans les règles de l'art, de la vraie baston, celle des durs à cuir. Coups de pieds, coups de poings, pour finir par un QTE où vous martelez le rond pour écraser l'adversaire à terre sans sommation. Même mieux. Comme vous pouvez customiser les boutons principaux, vous enchaînez les techniques de l'homme saoul pour terminer l'adversaire façon Ken le Survivant avec ses mille punchs dans le ventre. Plaisir garanti. God Hand, en somme, c'est ça. Avec, bien sûr, des graphismes ternes, une modélisation excellente et une ambiance déjantée qui prouve que son statut de Comical Action Game conféré par Capcom n'est pas usurpé.

En fait, la main de dieu ressemble à un élève incapable d'être régulier, qui peut produire le meilleur comme le pire. Pas lisse, il distille à la fois éclats de génie et grande médiocrité. Haut, bas. Haut, bas. Haut, bas. Il fluctue comme les vagues. À la différence du bon élève qui remplit le contrat demandé sans panache, sans se transcender. Celui qui aura le plus souvent l'adoration, le respect du public lambda, là où le premier récoltera l'indifférence générale et l'amour fou de quelques spécialistes. J'oserais même voir dans le titre une référence à Maradona involontaire. Ce grand joueur qui, à la différence de son comparse Pelé, va aussi à contre-courant des règles de consensualisme. C'est ici que se situe le problème de God Hand, tout en le rendant si attrayant. Ce paradoxe. Ces facettes qui transportent et éclaboussent en pleine figure. Des journalistes ne l'ont pas compris. D'ailleurs certains l'ont descendu en flèche sur des points polémiques. Ils se sont attaqués à son essence même. En effet, God Hand ne s'adresse pas à la masse. À quoi bon le préciser dans la conclusion ? Dès les dix premières minutes jusqu'à l'aboutissement de l'aventure, les cibles visées sont claires : les hardcore gamers et les mordus de beat'em all. Ne fallait-il donc pas penser uniquement à ces deux publics en rédigeant ces tests ? S'il s'agissait d'un shoot'em up, des journalistes auraient été largement plus cléments à son propos. Car ce genre concerne une niche de joueurs, très précise. Et aucunement la masse. Alors que les beat'em all, généralement, visent tout le monde sans exception. C'est pourquoi le jeu de Clover a été sanctionné. Alors que même s'il appartient à cette catégorie, il doit être mis à part, loin des autres titres majeurs, et être considéré en tant que tel. C'est-à-dire, en ne se focalisant pas sur la seule volonté de conseiller le joueur lambda. Ceci dit, cela n’exclut pas que même lui, doit y goûter. Le but des journalistes n'est-il pas en quelque sorte d'éduquer leurs lecteurs ? D'éveiller leur soif de curiosité, et de leur apprendre par de vraies explications en quoi ce jeu particulier mérite des heures d'attention ? Je crois que oui. Cela éviterait de commettre des erreurs, comme les notes attribuées par la presse spécialisée à Rez. Il serait trop réducteur de limiter cette réflexion à un simple "chacun ses goûts". C'est une prise en compte de critères sujets à nouveau à caution, comme la durée de vie, les graphismes, qui ont eu raison de l'oeuvre de Mizuguchi et Sega. God Hand n'y a pas échappé non plus.

En effet, critiquer la difficulté du jeu n'a aucun sens en soi compte tenu du public visé, et ce d’autant plus qu’il mise tout dessus. Et c'est son souci. Cette provocation. Ce bras d'honneur. Ces cris moqueurs quand la barre de difficulté baisse de niveau. À la différence de ses compères de Devil May Cry, God of War, ou Ninja Gaiden, Gene, le héros, mène un double combat : contre les ennemis et contre la barre. Élément capital, à ne pas négliger. Détail anodin, à première vue, pourtant elle conditionne tout notre plaisir. Entendre le public invisible hurler lorsque l’on descend d'un échelon parce que nous jouons mal est perçu comme une humiliation. Notre égo ne l'accepte pas, alors on tente de remonter la pente aussitôt. Pêché d'orgueil. Presque personne ne l'a évoqué dans les critiques, à mon grand désarroi. De fait, God Hand perd de sa faveur en mode facile où nous ressentons difficilement le plaisir de vaincre tous les ennemis sur notre chemin et où nous ne nous voyons pas monter en puissance au fur et à mesure. Les cinématiques ne deviennent alors plus ces joyeuses récompenses que nous apprécions pleinement après les rudes batailles victorieuses. Elles restent malgré tout elles-mêmes : des cut-scenes amusantes. Ca reste toujours aussi bon, de toute façon.

Puisque l'oeuvre de Mikami se veut comique. Nous pénétrons dans une ambiance loufoque, où le sérieux se révèle impossible. Je voue une grande estime à ces jeux qui dépassent le cadre du simple amusement procuré par le gameplay. Ceux qui tentent de nous laisser une empreinte quand nous pensons à eux, nostalgiquement. Ils sont peu, chez moi. Quand mon esprit pense Space Channel, pas une once d'images n’apparaît. Seulement cette atmosphère funky / groove, avec le thème principal en fond sonore. De même, pour God Hand. Du design, à l'animation, aux musiques, aux paroles, jusqu'au système de combat, tout est lié. Tout sert une unique cause : l'humour. Certes, le méchant clipping et la pauvreté des graphismes ternissent un peu l'image du jeu. Néanmoins faut-il se focaliser dessus comme certains l'ont fait ? À vrai dire, la question sous-entendue est celle-ci : faut-il punir les lacunes techniques quand un jeu a un tel parti pris, à tel point que le cahier des charges semble inexistant (Suda reflète à la perfection cette problématique) ? Le débat se situe ici. Pourquoi se concentrer à ce point sur les quelques errements de cette oeuvre? Alors même qu'une licence majeure telle GTA ou Zelda pourrait se permettre sans crainte quelques erreurs. Loin de moi l’idée de prêcher la maxime : “c'est le gameplay qui compte”. Cela n'aurait aucun sens. Je l'appréhende avec l'univers du titre comme sa force essentielle. J'irai même jusqu'à dire, sans excuser les clippings et les bugs d'affichage, que le minimalisme est un choix. Un vrai choix décidé par l'équipe de Clover. Dans le sens d'une concession faite, à contrario de celui de Rez. Ainsi, cela permet d'avoir une meilleure visibilité du terrain malgré la caméra imparfaite placée derrière le personnage, un système de combat qui lorgne du côté des jeux de baston (1 contre 1), une très bonne animation et un ressenti plus brutal et proche quand on se bat contre les autochtones.

Mes propos, en fin de compte, se résument à critiquer indirectement les tests, au lieu de défendre en particulier God Hand. Il est là pour illustrer mon argumentation. J'aurais très bien pu choisir une autre série pour exemple. Autant être franc, apprécier ce genre de tests me dépasse complètement. Je ne suis pas totalement contre le principe des tests. J'en lis, de temps en temps. Néanmoins j’émets quelques réserves quand ces derniers s'amusent simplement à décrire des mécaniques de gameplay et à juger des jeux comme de simples produits de consommation aux vertus totalement mesurables. Un jeu vidéo n'est pas un ustensile. Il ne s'agit pas non plus d'exprimer strictement son ressenti, car c'est ainsi que les 10/10 pleuvent comme la moisson en Asie. De mon point de vue, une critique ressemble à une recette de cuisine. Vous mélangez divers ingrédients pour obtenir un plat irrésistible. De fait, vous faites une synthèse des éléments objectifs, de votre ressenti, et essayez de comprendre pourquoi et / ou comment ce jeu provoque ce sentiment en vous, tout en y ajoutant une pointe de style pour les plus doués. Utopie ? Je n'y crois pas. Tristan y arrive bien. Pierre Gaultier aussi. Les articles dans les magazines de cinéma, de musique, d'animation le font. Pourquoi pas nous ? Nous ne sommes pas plus crétins que les autres. Souvent, pour expliquer la misère du journalisme vidéoludique, les internautes fournissent comme argument : "ce sont des passionnés comme nous". Je suis entièrement d'accord. Cela dit, ils exercent cette profession en tant que métier et par conséquent ils devraient encore plus avoir envie de se renseigner, de savoir, de saisir et de réfléchir sur ce qui entoure ce média. En plus d’un fondement incontournable : estimer les jeux vidéo au-delà de l'amusement béat. C'est-à-dire, dans la mesure du possible, le voir comme un média intelligent ... Ce que l'archétype du test ne prend décemment pas en considération. À quand les critiques ?

Remontons aux années 80, quand la Nes était sortie. Bijou de technologie qui pondait des perles qui resteront dans ma mémoire de joueur,douce nostalgie. River City Ransom, Batman, par exemple. D'excellents titres. J'ai connu aussi à cette époque le petit bonhomme bleu de Capcom nommé Rockman. Avec sa patte graphique inimitable et ses boss fight basés sur le système pierre-feuille-ciseau. Certes, il doit ses graphismes aux limitations de la Nes qui ne pouvait décemment pas nous exploser la rétine à coup d'univers parfaitement modélisés. Il fallait donc faire sobre, unique et efficace. L'italien moustachu et Rockman en sont la représentation. Ils se sont réappropriés les contraintes techniques pour étinceler. Ils n'avaient de toute façon pas le choix.

Or en 2008, avec la Wii qui écrase techniquement la Nes, un nouveau Megaman repointe le bout de son nez et n'utilise pas la puissance de la dernière de Nintendo. En effet, Capcom ose le sortir bientôt avec son ancien style graphique. Foutage de gueule ? Argent facile ? Un peu des deux. Cela dit, il m'est difficile de crier au scandale. Il s'agit d'un parti-pris de la firme. Et non plus d'une limitation imposée par la console cette fois. Rez possède bien des graphismes en fils de fer. Echochrome affiche sans gène son minimalisme. Disgaea pique les yeux. Alors pourquoi se plaindre de Rockman 9 à 10 € ? Les critiques à son égard sont illégitimes. Même l'argument "il pense seulement à l'argent" est caduc. Ces créateurs qui dépensent les milliers, voire les millions d'euros d'une entreprise ne peuvent se permettre d'avoir une carte blanche pour des projets ambitieux où l'échec aurait de grave conséquence - excepté certains cas, à mon avis. Les impératifs commerciaux se lient aux concepts pour donner des chef d'oeuvres. En plus de cela, ceux qui défendent corps et âme pour la reconnaissance de notre média doivent soutenir ce genre d'approche car cela se joint aux critères qui font d'un art, un art justement.